Crítica: «Salome» en Múnich

Crítica: «Salome» Múnich Por Luc Roger

Camilla Nylund soberana como Salomé en Múnich

Krzysztof Warlikowski dice estar convencido de que, si bien Salomé evoca muchos aspectos de las contradicciones de la época en que fue creada, esta ópera también permite aportar claves de lectura que abren puertas a la historia del siglo XX. El director traslada la acción de la época de la ocupación romana de la antigua Galilea al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, en una yeshivá que podría ser el gueto de la Varsovia ocupada por los nazis. Crítica: «Salome» Múnich

Al tomar asiento, el espectador descubre la escenografía de Małgorzata Szczęśniak, que representa la gran sala de una biblioteca talmúdica donde un bibliotecario se afana en poner orden. El espacio escénico, reducido a una caja, está delimitado por una malla metálica finamente tejida a ambos lados de las paredes laterales de la biblioteca, tras las cuales imaginamos la prisión de Jochanan. La escenógrafa, responsable también del vestuario, ha vestido a los protagonistas masculinos con el atuendo tradicional judío centroeuropeo de mediados del siglo XX, con el personaje de Herodes como un «rosh yeshiva» (ראש ישיבה), decano de la escuela talmúdica. Toda la acción tendrá lugar en la biblioteca, que será objeto de sucesivas reformas. Crítica: «Salome» Múnich

Warlikowski precede a la ópera de Richard Strauss con un prólogo en forma de pantomima de humor irónico, en cuyo centro aparece un sacerdote andrógino con sombrero romano y un largo velo de crepé, que lleva un bolso de mano y luce dos cadenas de oro en su hábito negro, una de las cuales lleva una cruz bastante grande del mismo metal. Está rodeado de figuras que caricaturizan a los judíos, como en la propaganda nazi. Con una voz que parece la de un contratenor, canta uno de los Kindertotenlieder de Gustav Mahler, obra exactamente contemporánea del estreno de Salomé. Pero es sólo una mímica; la voz procede de una emisión radiofónica de canciones sobre la muerte de niños cantadas por la contralto Kathleen Ferrier. Al cura le roban las cadenas de oro. El tono está dado: la pantomima de los judíos del gueto es de humor judío, escenificando su desesperación en un ejercicio de autoburla, y su canción es una canción de muerte.

Más tarde, los altos muros de la biblioteca se desplazarán hacia las alas y el suelo del escenario se abrirá en el centro para dar paso a lo que parece una piscina de azulejos, un hecho que se explica con sólo leer el programa: Al comienzo de la guerra, los ocupantes alemanes requisaron la Nueva Sinagoga de Poznan y la convirtieron en piscina y centro de rehabilitación para los soldados de la Wehrmacht, lo que en alemán dio lugar al siniestro juego de palabras «Schwimmagogue» («nadar» es «schwimmen» en alemán). Una vez explicado esto, es evidente que la piscina se adapta bien al tema acuático de Juan el Bautista. La piscina puede ampliarse o cerrarse a medida que se desarrolla la acción, como en el caso de la comida del Shabat, cuando se pone una larga mesa con vajilla y cubiertos, dos velas y dos candelabros de 7 brazos, y los hombres se sientan detrás en torno a un Herodes, figura de Cristo para la ocasión, un cuadro que recuerda a la Última Cena de Leonardo da Vinci. Crítica: «Salome» Múnich

El hermoso y colorido vídeo de animación de Kamil Polak en la pared del fondo también requiere una explicación, que se ofrece en el programa. Se inspira en las pinturas del techo de la sinagoga de madera de Chodorov, destruidas por los nazis en 1941 y que ahora pueden verse reproducidas en el Museo de la Diáspora Nahum Goldmann de Tel Aviv: las pinturas de Israel Ben Mordechai Lisnicki representaban animales reales o simbólicos, liebres, leones, grifos, unicornios, monos y elefantes. Polak ha desplazado ingeniosamente estos animales como en un dibujo animado, cuyo simbolismo disfrutaremos sin duda interpretando al aplicarlo a la acción de Salomé.

A esta riqueza de referencias arquitectónicas y pictóricas se añaden las extraídas de la historia del cine, que los aficionados informados sabrán descifrar. En una entrevista, Warlikowski menciona a Pasolini, Losey y, sobre todo, Portero de noche, de Liliana Cavani. La puesta en escena se presta a innumerables glosas, que presuponen una cultura de la que a menudo carece el espectador medio, y que corre el riesgo de ser malinterpretada. Sin embargo, no es necesario tener un conocimiento enciclopédico para ver algunos de los mensajes más directos, como su tratamiento de la danza del velo: el director hace que Salomé se vista con un traje de novia y baile en la piscina a dúo con un bailarín que representa la muerte. Lo mismo ocurre con las dos secuencias del final, la escena del beso en la cabeza decapitada del Bautista, que forma parte del libreto, y la escena del suicidio colectivo de los judíos de la yeshivah, que es idea del director. Warlikowski no muestra la bandeja de plata con la cabeza ensangrentada de San Juan, sino que hace traer una caja para contenerla, sobre la que Salomé se inclina para su beso de locura necrófila. La caja mortuoria, ilustrada en el programa por la instalación Les Suisses morts del artista plástico Christian Boltanski, no lleva una foto del Bautista así archivado, sino un gran número que recuerda inevitablemente los tatuajes de concentración de la Shoah. Por último, el suicidio colectivo final de todos los protagonistas restantes es otro motivo comprensible: los ocupantes de la biblioteca beben una bebida venenosa que provoca la muerte instantánea y les permite escapar del infierno del gueto.

Como se puede ver, la riqueza de referencias de esta cuidada producción abre todo un abanico de posibilidades. Una de sus principales bazas reside en la agudísima dirección de actores, que saca lo mejor de los innumerables talentos presentes en un reparto impresionante. Esto es particularmente notable en el caso del excelente Narraboth, retratado con conmovedora intensidad por Evan LeRoy Johnson, la poderosa y aplastante Herodías de Michaela Schuster y, sobre todo, la inolvidable interpretación de la soprano straussiana Camilla Nylund en el papel titular, que lleva a lo largo de toda la ópera con una fuerza expresiva inolvidable.

Soberana, inquietante y sensual, Camilla Nylund es desde hace casi 20 años una de las Salomés más reputadas de la escena internacional (debutó el papel en la ópera de Colonia), un papel que interpreta con una autenticidad intensa y apasionada. Su interpretación revela a una mujer manipuladora, cínica y rebelde, decidida a conseguir lo que quiere desafiando todos los principios, atrapada en la malvada red de su propio juego hasta la locura, perdiendo la cabeza para robar un beso de los labios de una cabeza decapitada. Su canto ardiente de soprano dramática y su presencia escénica captan el conocido aforismo de Beethoven («La música es la mediadora entre la vida espiritual y la sensual»), que tomo prestado de la cantante que lo coloca en la cabecera de su sitio web. La cantante abre el camino a nuevas percepciones y concepciones del personaje de Salomé. La fuerza y la oscura claridad de su canto perfectamente articulado son impresionantes, y nos llena de admiración su resistencia en este papel tan exigente.

En este sentido, está a la altura de las exigencias de perfección de la sublime dirección de François-Xavier Roth, un experimentado y carismático director straussiano que consigue hacer transparente la música con su trabajo meticuloso pero flexible, y desentrañar los motivos entrelazados diferenciándolos perfectamente, como en la alternancia entre las partes amenazadoras y las más ligeras de la ópera. La belleza de la orquesta es asombrosa, destilando magistralmente la exuberante energía sensual de la música. Gerhard Siegel, muy a gusto en un papel que interpreta desde hace tiempo y con el que ya ha conquistado al público vienés este año, ofrece una excelente interpretación escénica y vocal de un Herodes bonachón, decadente y muy aburguesado. El barítono Wolfgang Koch como Jochanaan tiene la potencia necesaria para las líneas de voz en off, ayudado por las vallas metálicas que no entorpecen demasiado la voz. Transmite con éxito tanto la ambivalencia como la intensidad visionaria y profética que impulsan a su personaje.

El ambiente sonoro, la intensidad emocional de la música, su poderosa sensualidad y sus colores son palpables. Salimos de esta tragedia con vívidas impresiones de las grandiosas interpretaciones de Camilla Nylund, Wolfgang Koch y Gerhard Siegel y de la abrumadora dirección que domina la producción. Salimos de esta memorable velada enriquecidos por una nueva percepción de la obra de Strauss. Crítica: «Salome» Múnich

Múnich (Nationaltheater), 11 de julio de 2023.

Director de orquesta: François-Xavier Roth
Dirección: Krzysztof Warlikowski
Escenografía y vestuario: Małgorzata Szczęśniak
Iluminación: Felice Ross
Vídeo: Kamil Polak
Coreografía: Claude Bardouil
Dramaturgia: Miron Hakenbeck, Malte Krasting

Elenco: Gerhard Siegel, Michaela Schuster, Camilla Nylund, Wolfgang Koch, Evan LeRoy Johnson, Christina Bock, Ya-Chung Huang, Brenton Ryan, Dean Power, Kevin Conners, Daniel Noyola, Tilmann Rönnebeck, Jonas Hacker, Martin Snell, Bálint Szabó, Gabriel Rollinson, Elmira Karakhanova, Sophia Julia Schützinger, Peter Jolesch

Orquesta Estatal de Baviera

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